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Zeitschrift für Ästhetik und Allgemeine Kunstwissenschaft Band 50. Heft 1


Zeitschrift für Ästhetik und Allgemeine Kunstwissenschaft (ZÄK) 50/1. 2005. 164 Seiten. Kartoniert
EUR 68,00


Abstracts


Georg W. Bertram: Konturen einer Ästhetik der Dekonstruktion


Der Aufsatz zielt darauf zu zeigen, daß die Ästhetik der Dekonstruktion im Rahmen der gegenwärtigen Debatten in der philosophischen Ästhetik eine interessante Alternative eröffnet. Ich vertrete die These, daß Derridas Texte zur Kunst eine Position beziehen, die Kunst weder als autonom noch als souverän versteht. Diese These begründe ich in einer Lektüre von „La double séance“. Entsprechend dieser Lektüre begreift Derrida Kunstwerke als Zeichen, die ihre je eigene differentielle Konstitution auffällig werden lassen und so an sich selbst den Übergang vom Nichtverstehen zum Verstehen thematisieren. Es handelt sich demnach bei Kunstwerken weder um Zeichen, die die Verfaßtheit anderer Zeichen – souverän – reflektieren, noch um Zeichen, die – autonom – ein Zeichengeschehen begründen, das mit den Regeln anderer Zeichengeschehen bricht.


This paper aims to show that the aesthetics of deconstruction opens up an interesting alternative in current debates in philosophical aesthetics. I argue that Derrida’s reflections on works of art present a position that understands art as something that is neither autonomous nor sovereign. This claim is based on a reading of „La double séance“. According to this reading Derrida conceives works of art as signs that make manifest their own differential constitution and thus illuminate through themselves the transition from a lack of understanding to understanding. Thus, works of art are neither signs that reflect, from a ›sovereign‹ standpoint, the constitution of other signs; nor are they signs that establish an ›autonomous‹ basis for the constitution of symbolic events that breaks with the rules that govern the constitution of other symbolic events.


Kathrin Busch: „Dass Gut Schenken Eine Kunst Ist“. Für eine Ästhetik der Gabe


Ausgehend von Derridas Anliegen, einem Denken der Gabe jenseits von Gegenseitigkeit und Austausch Geltung zu verschaffen, wird – entgegen der vorherrschenden Beschränkung auf moralphilosophische Fragen – die kunsttheoretische Bedeutung der Gabe expliziert und für eine Verschränkung von Ethik und Ästhetik argumentiert. So wie es, mit Nietzsche gesprochen, einer Kunst des Gebens bedarf, um die moralisch motivierte Gabe dem ökonomischen Kalkül zu entziehen, so ist kunsttheoretisch die Gabe nicht nur als Form der Verausgabung und Sinnüberschreitung, sondern zudem in ihrer ethischen und sozialitätsstiftenden Wirksamkeit relevant. Die vielfältigen Auseinandersetzungen mit Formen des Gebens in der zeitgenössischen Kunst, die exemplarisch vorgestellt werden, lassen es überdies vielversprechend erscheinen, die Ethik um eine Ästhetik der Gabe zu ergänzen.


On the basis of Derrida’s wish to enforce a philosophical consideration of the ›gift‹ without expecting anything in return, we shall show the significance of ›giving‹ in the field of the Theory of Art – in contrast to the prevailing idea of confining the ›gift‹ to a question of moral philosophy –, and argue for the interdependence of ethics and aesthetics. As Nietzsche said, you need an „art of giving“ to detach ›giving‹ from ulterior economic motives. Vice versa, in the Theory of Art, the ›gift‹ is not only relevant as a form of expenditure and surplus of meaning, but is also relevant in


its ethical and social sense. The various reflections on different forms of ›giving‹ in contemporary art, as exemplified here, promise to complement the ethics of the ›gift‹ with the aesthetics of ›giving‹.


Christian Illies: Die Architektur als Kunst


Wegen der Funktionalität architektonischer Artefakte werden diese oft nicht als Kunstwerke betrachtet. Will man daran festhalten, stellt sich das Problem der Verortung der ästhetischen Dimension. Weder eine Unterordnung der Ästhetik gibt eine befriedigende Antwort, denn dann wird das Gebäude zu einem dekorierten funktionalen Gebilde, noch eine Unterordnung der funktionalen Dimension, da dies zu unfunktionalen Großskulpturen führt. Auch die häufige Gleichsetzung der beiden Dimensionen ist weitgehend inhaltslose Rhetorik. Stattdessen sollte man die ästhetische Leistung eines Bauwerks in der Deutung der an es herangetragenen funktionalen Ansprüche sehen. Gebäude sind wie andere Kunstwerke ein mehr oder weniger gelungenen Ausdruck einer Weltsicht.


Because of their primary role as functional spaces, buildings are not often considered as works of art in their own right. Argument for such a status requires the location of their aesthetic merit only in relation to, and not separately from, their function. The sub-ordination of the aesthetic to the functional leads in practice to merely ›decorated‹ functional artefacts. The sub-ordination of the functional to the aesthetic results conversely in buildings which are merely useless gigantic sculptures. Simply to equate the functional and the aesthetic is, however, empty rhetoric. A more promising approach is to seek the aesthetic merit of architecture in the extent to which, and the manner in which, the functional demands of the artefact are interpreted by its design. This is exemplified by Schinkel’s Neue Museum in Berlin, whose function is to exhibit pieces of (mainly classical) art. The building is designed to show the way in which this art should be appreciated, namely as complementary to modern life. This is expressed in the overall design of the building, which looks as if a Greek temple had been placed inside an otherwise ordinary 19th century house. This approach can explain why functional buildings can be comparable to works of art: they are aesthetically more or less successful expressions of a philosophical stances to reality.


Joachim Küpper: Bild und Text. Zu einigen systematischen Implikaten der frühneuzeitlichen Emblematik


Der Aufsatz versucht, anhand der frühneuzeitlichen Emblematik einige generelle Überlegungen zur Relation von Bild und Text zu formulieren. Einleitend wird die existierende Forschung zu dem Problemkomplex in komprimierter Form dargestellt. Sodann wird versucht, in skizzenhafter Form den historischen Kontext des Phänomens ›Emblematik‹ darzustellen. Der Hauptteil analysiert en détail vier repräsentative Embleme im Hinblick auf die je gegebene Bild-Text-Beziehung. Die Befunde werden integriert in einer Schlussbemerkung, die Kritik an den herrschenden Thesen zur Text-Bild-Relation in der Emblematik übt und die sich an einem systematischen Aufriß der semiotischen Kapazitäten des Bildmediums einerseits, des Schriftmediums andererseits versucht.


Focusing on the Early Modern genre of emblematics, the essay reflects on the relationship between image and text. Existing research on the topic is examined briefly. Next, the historical context of the genre is discussed. The central feature of this essay is the detailed analysis of four typical emblems and the respective image-text relationship. The results of this analysis are then integrated in a critique of the dominant theses in emblem studies. Finally, a systematic outline of the semiotic capacities of the two media, image and text, is provided.


Sabine Mainberger: ›Aktive‹ Linie – Kreatives System. Zu Titeln und Register in Klees Spätwerk


Der Aufsatz beleuchtet das komplexe Verhältnis von Zeichnen, Schreiben und Katalogisieren, bringt Klees Praxis der Titelerfindungen in Zusammenhang mit seinen Überlegungen zur Linie und kommt auf diesem Hintergrund zu einer neuen Lesart der berühmt gewordenen Registereintragung nulla dies sine linea. Klees späte zeichnerische Produktion wird als ein multimediales Ensemble betrachtet, das von der sog. ›aktiven‹ Linie in ihren vielfältigen Funktionen und Bedeutungen integriert wird. Als generierendes Prinzip ist diese Linie sowohl für das Visuelle wie für das Verbale entscheidend und dynamisiert sogar das scheinbar den inventiven Prozeß sistierende Verzeichnen.


The essay deals with the complex relationship of drawing, writing, and cataloguing, linking Klee’s practice of inventing titles with his reflections on line, and offers a new reading of the famous phrase nulla dies sine linea inserted in the handwritten catalogue. Considering Klee’s late drawings as a multidimensional interplay of different and even contrary functions of the line, the essay emphasizes the generative force of the so called ›active‹ line in both the visual and the verbal production and shows the dynamism of the whole creative system.